Radicaliroma

Un piccolo caso cinematografico: un film, senza attori di richiamo, diretto da un regista noto soltanto ai cinefili – e per un film di qualche anno fa, “Train de vie” – ; uscito nei cinema italiani all’inizio di febbraio, continua a essere in programmazione; certamente grazie al “passaparola” tra gli spettatori.
E il riconoscimento che ha recentemente ottenuto ai David di Donatello come miglior film dell’Unione Europea, corona, e forse rilancerà, questo successo.
“Il concerto” ha un antefatto storico, che risale all’Unione Sovietica degli anni Ottanta. Per decisione dell’allora presidente Breznev, furono licenziati dall’orchestra del Bolscioj, il grande teatro di Mosca consacrato alla musica, i musicisti ebrei.
Nel film si immagina allora che un celebre direttore d’orchestra russo, si sia rifiutato di obbedire a questo diktat razzista. E che, per punizione, la sua orchestra, composta anche di musicisti ebrei, sia stata interrotta, durante una serata di gala al Bolscioj, nel bel mezzo di un concerto di Caikovski, per intevento diretto sul palcoscenico di un potente funzionario del KGB. Alcuni di quei musicisti avrebbero denunciato l’accaduto a una radio libera, e per questo sarebbero stati confinati in Siberia, dove sarebbero morti di stenti. Il direttore d’orchestra avrebbe perso il posto, e da allora sarebbe stato degradato a uomo delle pulizie del teatro.
Un antefatto, insomma, altamente drammatico, addirittura tragico.
Ma la distanza del tempo trascorso – quasi trent’anni – consente all’autore di guardare ai protagonisti di questa vicenda, almeno a quelli sopravvissuti, più che con il pathos della tragedia, con lo spirito della farsa o della satira.
Ecco allora che il potente funzionario del KGB è oggi un nostalgico patetico del vecchio partito comunista; che per organizzare manifestazioni comuniste in piazza, è costretto ad assoldare qualche comparsa. I musicisti di un tempo si arrangiano a vivere fantasiosamente, e tutto sommato allegramente. Soltanto l’ex direttore d’orchestra , appresso al carrello delle pulizie, continua a vagheggiare in modo struggente il concerto di Caikovskij interrotto.
Ma lo spirito positivo della farsa vuole che giunga per lui il momento del riscatto.
E infatti, con un inganno che non sto a raccontarvi, potrà riunire la sua vecchia orchestra, ed eseguire lo stesso concerto in un grande teatro di Parigi.
Il film di Mihaileanu è piacevole, raccontato con brio.
Mi ha lasciato però due riserve. La prima è che nella piccola folla dei musicisti russi che calano a Parigi – con la gioia di vivere che si associa convenzionalmente agli slavi, ma anche con una frenesia di affamati catapultati in un ricco banchetto – ecco, in questa folla, nessun ritrattino, nessuna caricatura, è davvero incisiva, ha un forte rilievo.
La seconda è che la satira si addice ai potenti. Quando è rivolta a chi ha ormai perso il potere ed è stato smentito dalla Storia – come appunto l’ex funzionario del KGB – la satira resta forse legittima, ma è più povera di mordente. Insomma: sembra piovere sul bagnato.
Ma “Il concerto” ha un colpo d’ala nel finale. La vecchia orchestra del Bolscioj, ormai sgangherata, senza aver potuto fare nemmeno un giorno di prove, alle prese con strumenti musicali raccattati di contrabbando, ottiene al teatro di Parigi un trionfale successo, fa riscoprire al mondo l’attualità di Cajkovskij e parte in tournée per tutta Europa.
Forse il regista ha voluto dirci che i miracoli possono davvero accadere? Che i sogni, quando sono a lungo e appassionatamente sognati, finiscono per realizzarsi sempre e comunque?
No, non credo che sia caduto in questa retorica. Il lieto fine del film è apertamente paradossale, costruito apposta perché lo spettatore non possa crederci. E finisce per significare, con amara ironia, che non è per nulla garantita una giustizia che, almeno alla lunga, premi i giusti e punisca i colpevoli. E anzi le discriminazioni – come quella contro i musicisti ebrei nell’Unione Sovietica di Breznev – vengono dimenticate. A meno che, magari, non venga fatto un film per rievocarle.

Versione audio:

http://www.radioradicale.it/scheda/304225

di Lucio De Angelis

Arbore come Wagner, ma sì è proprio così, e spiego subito perché: quando l’illustre compositore tedesco fu in visita nella città partenopea, presso la villa che lo ospitava alle pendici di Posillipo, ebbe modo di conoscere un mandolinista, chiamato lo “zingariello” per la sua bruna carnagione. Ebbene fu lui a fargli apprezzare per primo la canzone napoletana, a mezzo della sua flebile delicata voce che andava a fondersi con le corde del proprio strumento.
L’illustre compositore volle così che l’artista lo seguisse nei concerti che teneva in tutto il mondo e presso le maggiori corti d’Europa, donando agli spettatori alla fine d’ogni sua esecuzione una parentesi di quelle melodie che amava definire ‘vesuviane’. A chi si congratulava con lui per questa felice idea, controbatteva che la canzone napoletana, già nota e più che nota già allora dappertutto, per venir recepita nella sua più pura essenza doveva essere affidata esclusivamente a strumenti a corda.
Un’opinione questa dunque felicemente ripresa da quel geniale musicista che è Renzo Arbore, il quale con l’Orchestra Italiana, formata in gran parte appunto da strumenti a plettro, ha rilanciato la canzone napoletana nel mondo. Così in un’opportuna elaborazione delle più note melodie lo showman ha ridato linfa a ‘Voce ‘e notte’, a ‘Silenzio cantatore’, a ‘Era de maggio’, a ‘Te voglio bene asssaje’ ed ai più illustri brani che già ai primi del secolo scorso avevano varcato i confini sebeti. “I versi d’ogni canzone – confida Arbore – vanno centellinati e compresi nella loro genuinità ancor prima che cantati, ed occorre cantarli col cuore, in pieno sentimento ancor prima che con la più modulata voce!”
“Più che un concerto – chiarisce il musicista – quello che presentiamo é un autentico spettacolo musicale con interventi di recitazione e particolari piacevoli ricordi dei ‘tiempe belle’, come avviene per ‘Malafemmena’, la cui esecuzione é preceduta da alcuni divertenti filmati con a protagonista Totò.”
“Abbiamo il dovere – continua a dire Arbore – di far conoscere quelle che sono le più stupende ‘canzoni della memoria’ alle giovani generazioni. I componenti dell’Orchestra Italiana sono tutti di grande levatura artistica, e così alle voci di Renzo Arbore, di Gianni Conte e di Barbara Bonaiuto, si intessono le percussioni di Gegè Telesforo, la voce chitarra di Mariano Caiano, il piano tastiere di Massimo Volpe, il mandolino di Nunzio Reina, il mandoloncello di Giovanni Petrone, ed ancora la chitarra classica di Michele Montefusco, la chitarra acustica di Paolo Termini, la chitarra elettrica di Nicola Cantatore, la fisarmonica di Claudio Catalli, le percussioni di Peppe Sannino, il basso di Massimo Cecchetti, la batteria di Roberto Ciscognetti. Suprefluo aggiungere che molti dei solisti appena citati, provengono dalle fila del prestigioso Conservatorio di San Pietro a Majella.
Partito dal modello un po’ naif delle orchestre napoletane, dei primi del secolo, dove le voci ricche di pathos dei cantanti si sposavano con i ritmi e i suoni coinvolgenti delle strade di Napoli, recuperato in prima fila il suono dei mandolini, Arbore sperimenta anche originali contaminazioni con alcune sonorità e ritmi rock, blues, country, reggae e sudamericani. Immesse così nuove energie ritmiche a supporto di inedite ed accattivanti sonorità, riesce a riportare all’attenzione del grande pubblico, italiano ed estero, la melodia classica napoletana, come musica di oggi, ancora viva e capace di esprimere le emozioni più intense e travolgenti.
Arbore è ad oggi uno dei più poliedrici artisti italiani: presentatore, scrittore, attore, regista, musicologo, dj e musicista. Nella sua lunga carriera ha percorso in lungo e in largo il mondo dello spettacolo. Ma la sua grande passione, la musica, non l’ha mai abbandonato. Anche questa volta é protagonista di un concerto che lo vede spaziare dalla musica napoletana a quella jazz senza trascurare i suoi successi.

“Fratelli d’Italia” di Claudio Giovannesi: tre “diversi” a scuola

Si sente spesso ripetere che in Italia, per il documentario, non c’è mercato. Ed è in gran parte vero: la televisione ne trasmette pochi  (eccetto qualche canale digitale); e al cinema non escono quasi mai.

Da qualche tempo, però, gode di una certa fortuna un particolare tipo di documentario: il documentario pamphlet, l’equivalente per immagini di uno sferzante libretto satirico.

Ne è stato portabandiera l’americano Michael Moore; che ha avuto seguaci negli Stati Uniti, ma anche in Europa.

In Italia, Silvio Berlusconi si presta quasi naturalmente a essere il bersaglio di questo genere di film; tanto è vero che sono usciti nelle sale nell’ultima stagione cinematografica, ben due documentari, per ragioni diverse su di lui e contro di lui: “Videocracy” dello svedese Eric Gandini; e ora “Draquila” di Serena Guzzanti. (Due possono sembrare pochi; ma considerando appunto quanto pochi sono i documentari che escono in sala, costituiscono un piccolo fenomeno).

Dei documentari-pamphlet, fatti apposta per suscitare polemiche e discussioni, si potranno di volta in volta criticare i contenuti, deprecare la faziosità. Non dovrebbe però essere messa in discussione la loro legittimità a esistere, e essere proiettati tanto al cinema quanto in televisione (mentre il film di Gandini, sulle televisioni “generaliste”, ha incontrato difficoltà anche soltanto a essere pubblicizzato attraverso i trailers).

Ma il documentario-pamphlet non è l’unico genere di documentario possibile.

Possono darsi documentari che non vogliono demolire un avversario politico, non vogliono risolvere un caso giudiziario controverso, e nemmeno denunciare a gran voce un certo guasto della società. Intenti, benintesi, almeno in certi casi, nobili.

Voglio dire soltanto che possono esserci documentari non costruiti intorno a una tesi da propugnare; che vogliono indagare un certo aspetto della società, lasciando che sia poi eventualmente lo spettatore a trarre la proprie personali conclusioni.

Rispetto al documentario a tesi, di solito più polemico, il documentario puramente di indagine rischia di risultare sottotono, e di essere ingiustamente trascurato.

Ha trovato in questi giorni la via delle sale cinematografiche un interessante documentario di questa seconda specie. Lo ha realizzato un giovane regista italiano, Claudio Giovannesi, e si intitola “Fratelli d’Italia”.  Il film indaga su un rilevante fenomeno sociale, che il cinema di finzione italiano, a occhio e croce, ha finora trascurato o ignorato: e cioè la presenza di studenti immigrati nelle scuole italiane. (Fenomeno che era al centro di un film francese di un paio di anni fa, “La classe” di Laurent Cantet).

Il film di Giovannesi si compone di tre ritratti di tre studenti dell’Istituto tecnico Toscanelli di Ostia (dunque, vicino Roma): il rumeno Alin; Masha, della Bielorussia; e l’egiziano Nader. Ci vengono presentati momenti della loro vita: a scuola; nelle loro famiglie; o nelle discoteche e per la strade di Ostia. Mentre conversano i con i connazionali nella loro lingua di origine; o con amici e con ragazze italiane.

Questa selezione di momenti di vita quotidiana è così abile che un po’ alla volta la personalità dei tre studenti finisce per spiccare vivamente.

L’autore sembra essere partito per la propria indagine da questa domanda: i tre studenti sono pienamente integrati?

Il più in difficoltà dei tre, è il rumeno Alin. E’ chiuso nel sogno di una vita facile – con tanti soldi, tante macchine e tante ragazze – sogno che condivide con qualche connazionale, con il quale anzi diventa un elemento di complicità; e che lo rende disinteressato alla scuola; impermeabile nel profondo al dialogo con gli insegnanti; e un “diverso” rispetto agli studenti italiani, che non possono condividere un’idea così ingenua e mitica della vita in Italia. E respinto da loro, li respinge a sua volta.

Masha e Nader appaiono invece più integrati; ma è un’integrazione che, a un occhio attento, nasconde resistenze, perplessità e anche sensi di colpa.

Per esempio, l’egiziano Nader, per uscire con la ragazza italiana, deve litigare con il padre e soprattutto con la madre, che vorrebbero per lui una ragazza egiziana, con cui sposarsi presto.

Nader non gli dà retta. Immigrato di seconda generazione, dunque nato a Roma, ha adottato il modo di parlare e di vestirsi degli studenti italiani, scegliendosi anche i modelli peggiori: così si atteggia a naziskin. Ma è proprio questa esibizione ansiosa di italianità – o meglio di romanità – unita a una costante irrequietezza, che ci fa capire che non si sente a suo agio nella sua pelle, che dentro di lui agisce un conflitto, anche se denegato.

E non è probabilmente un caso che – come ci informa la didascalia conclusiva del film – finisce per lasciare la sua ragazza.

Insomma: mi sembra che di tutti e tre i personaggi presi in esame da “Fratelli d’Italia”, il regista Giovannesi riesca a cogliere qualcosa di profondo.

Non credo che il film sia uscito in tutta Italia. Ma se lo trovate in programmazione nella vostra città, affrettatevi a vederlo, anche a sostegno di un genere cinematografico che incontra tante difficoltà, come il documentario italiano.

Versione audio:

http://www.radioradicale.it/scheda/303611