Radicaliroma

Al Quirino di Roma fino al 28 febbraio “Grease” ed il suo inarrestabile successo.

di Lucio De Angelis

“Grease”, il musical dei record, dopo aver conquistato oltre 1.300.000 spettatori in tutta Italia in più di 1.000 repliche, a 13 anni dal debutto é al Quirino di Roma in una nuova edizione fino al 28 febbraio.

Un collage di immagini colorate ed esplosive direttamente dall’America degli anni ’50, giubbotti di pelle, gonne a ruota, l’immancabile ciuffo alla Elvis con la brillantina e un gruppo di giovani interpreti molto preparati: sono questi gli ingredienti del suo inarrestabile successo.

Grease nasce nel 1971, quando Jim Jacobs e Warren Casey decidono di realizzare un musical composto solo per chitarra in un teatro sperimentale di Chicago; lo chiamano “Grease” per evocare i capelli imbrillantinati, hamburgers, patatine fritte e favolose automobili fuoriserie sporche e infangate: un successo diventato un “classico” in tutto il mondo, che ha visto anche la consacrazione teatrale di grandi attori come John Travolta (interprete di un ruolo minore, prima di indossare il giubbotto di Danny Zuko nel celebre film) e Richard Gere. La colonna sonora di Grease è rimasta per settimane al primo posto delle classifiche in molti paesi. In Gran Bretagna “You’re The One That I Want” e “Summer Nights” sono arrivate entrambe in vetta alle classifiche e vi sono restate per anni.

La canzone “Hopelessly Devoted to You”, cantata nella versione cinematografica da Olivia Newton-John, ha ricevuto anche una nomination al premio Oscar per la migliore canzone originale nel 1979. Il musical arriva in Italia nel 1997, con la prima fortunata edizione: protagonista, nel ruolo di Sandy, Lorella Cuccarini. In poco tempo Grease si afferma come il primo long running show della storia dello spettacolo in Italia e ottiene dal pubblico un consenso senza precedenti: sold out nei teatri di tutta Italia, ha alternato sul palco, dal suo debutto a oggi, più di 100 artisti.

La storia d’amore tra Danny e Sandy, i sogni dei T-Birds e delle Pink Ladies e, soprattutto, tanto rock ’n’ roll fanno sì che Grease sia diventato sinonimo di energia pura e divertimento da non perdere.

Federico Bellone nelle sue note di regia scrive: “Ricordo ancora nitidamente la prima volta che vidi il musical ‘Grease’ a teatro… Milano, Teatro Nuovo, 1997. Lorella Cuccarini nel ruolo di Sandy, il primo sabato pomeriggio dopo il debutto di quello che sarebbe diventato il primo long running show italiano. Avevo appena 16 anni e rimasi così folgorato che rividi lo spettacolo altre 8 volte nel corso dello stesso mese. Lo show era una bomba ad orologeria che si innescava con precisione ogni sera per esplodere con così tanta energia da mandare il pubblico letteralmente in visibilio. Grease, oltre a portare a teatro i giovani e persone che a teatro non erano mai state, penso abbia decretato definitivamente la mia decisione di intraprendere una carriera nel teatro musicale. Così, dopo nove anni di repliche, oltre 1.200.000 spettatori, più di 90 interpreti che si sono avvicendati nel corso delle recite, mi ritrovo a dirigere la nuova edizione dello spettacolo. ‘Grease’, che nacque nel 1971 come musical sperimentale, è in realtà un pretesto per evocare nostalgicamente la magia degli anni 50’ e la loro inarrestabile energia. Così la nuova edizione vuole essere un recupero di quella carica esplosiva e si fa forte di una nuova scenografia dal grande impatto visivo, grazie a un collage dai colori vivaci di pubblicità anni ’50, che proprio oggi riportano immediatamente a quell’epoca, e a un cast di veri ventenni, preparatissimi nelle discipline richieste dal musical, che invaderanno con il loro entusiasmo tutto il teatro. Mi auguro che questa nuova versione dello spettacolo possa continuare a coinvolgere e a elettrizzare il pubblico per altri 10 anni.”

16. 28 febbraio

Compagnia della Rancia

in collaborazione con Musical Italia diretta da Silvio Testi

GREASE il Musical

di Jim Jacobs e Warren Casey

traduzione Michele Renzullo

adattamento Saverio Marconi

traduzioni delle canzoni Silvio Testi e Michele Renzullo

canzoni aggiunte B. Gibb, J. Farrar, L. St. Luis, S. Simon, S. Bradford, A. Lewis

scene Gabriele Moreschi

costumi Zaira De Vincentiis

coreografie Franco Miseria

direzione musicale Simone Manfredini

produzione musicale Silvio Testi

disegno luci Valerio Tiberi

disegno fonico Carlo Marchiori

regia Federico Bellone

Al Nuovo Teatro Colosseo “King Cymbeline” ovvero quando il palcoscenico è delle donne.

di Lucio De Angelis

Al Nuovo Teatro Colosseo, ‘le donne di Shakespeare’ della Compagnia Klesidra hanno di recente presentato al pubblico ‘Uno studio su King Cymbeline’, diretto da Imogen Kusch.

Undici attrici che, al contrario dell’epoca elisabettiana, quando recitare a teatro era severamente vietato al gentil sesso, hanno interpretato i ruoli, per la maggior parte maschili, di una delle opere più complesse e controverse del Bardo, vestendo i panni di re, generali e giovani innamorati, le cui vicende si intrecciano sullo sfondo di una sanguinosa guerra.

Siamo nel pieno dell’età augustea e la vicenda di ‘Cimbelino’ si svolge tra Roma e la Britannia di cui, appunto, è re. Sullo sfondo c’è la contesa fra romani e britanni, con questi ultimi che, dopo le sconfitte subite da Giulio Cesare, si proclamano pronti a riconquistare libertà e autonomia anche a costo di muovere guerra a Roma: un contorno politico costruito ad arte per solleticare il giovane nazionalismo britannico (Giacomo I, salito al trono nel 1603 dopo la morte di Elisabetta, aveva riunificato i regni d’Inghilterra e di Scozia).

Ma c’è da giurare che il pubblico dell’epoca impazziva per la trama amorosa, con Iachimo che minaccia (con la menzogna) la fedeltà coniugale di Imogen, moglie di Postumo e figlia di Cimbelino. A differenza che in Otello, il raggiro viene scoperto in tempo e accanto al trionfo dell’amore e dell’onestà si consuma il tardivo e inutile pentimento di Iachimo.

Cimbelino (Cymbeline) è un’opera scritta probabilmente nel 1609 e pubblicata nel 1623. Ritenuta inizialmente una tragedia (e inclusa in quel gruppo nel cosiddetto ‘First folio’), oggi la critica è unanime nell’includerla nei romances. Raramente messo in scena e poco amato dalla critica, Cimbelino presenta una trama molto ricca e articolata oltre alla presenza di alcuni dei versi tardivi più belli e interessanti ad opera del Bardo.

È così poco chiara la trama, che molti critici nel corso dei secoli hanno protestato che non fosse frutto della mano di Shakespeare, come se un grandissimo poeta non potesse concedersi, a volte, al mestiere.

Infatti è il mestiere teatrale a farla da padrone in questo testo della fase conclusiva della creatività shakespeariana: perché Cimbelino richiama a orecchio molti temi del canone, da ‘Romeo e Giulietta’ a ‘La dodicesima notte’, fino ad ‘Otello’, dal momento che tutto ruota intorno alla gelosia. Pilotata da un italiano, ovviamente: lo Iago in sedicesimo Iachimo.

Re Cimbelino è un re anziano, spesso paragonato a Re Lear, che, istigato dalla perfida e bellissima seconda moglie, commette molti errori, sfidando l’impero romano e la giovane figlia Imogen, animata da un amore rivoluzionario.

Raffaella d’Avella ne interpreta la parte, la top model e attrice Mariacarla Boscono è la principessa Imogen, icona di purezza, in una storia d’amore, di potere, di tradimento e racconta quelle ambizioni che impediscono la fratellanza fra gli uomini e scatenano le guerre.

La messa in scena delle ‘donne di Shakespeare’ indaga le prospettive al femminile di queste vicende, s’interroga sulla natura dell’amore e della bellezza rompendo con una tradizione storica – non solo teatrale – tutta declinata al maschile, decisamente interessante anche perché apre ad una tipologia che, visti i tempi, potrebbe diventare frequente.

L’intero cast ha assolto appieno il proprio compito e la Kusch, nel caso di una ripresa della pièce, dovrà limitarsi solo a rallentare qualche irruenza recitativa.

BEAT ’72 e KLESIDRA presentano

UNO STUDIO SU KING CYMBELINE

DI William Shakespeare

Regia di Imogen Kusch

musiche originali: Andrea Mieli & Sergio Ferrari

costumi: Johanna Bronner

luci: Danilo Facco

scene: Roberta Mossetto

Mariacarla Boscono Imogen

Raffaella d’Avella Cimbelino

Elena Felloni Belario

Alexandra Filotei Cloten

Anna Maria Loliva Regina

Silvia Mazzotta Pisanio

Giovanna Nodari Caio Lucio

Chiara Pazzaglia Guiderago

Alessandra Roca Iachimo

Shivani Satya Dottore

Manuela Ungaro Postumo

All’Eliseo di Roma Isa Danieli è Ecuba in una tragica assenza di tragedia

di Lucio De Angelis

Fino al 28 febbraio al Teatro Eliseo di Roma la grande Isa Danieli interpreta Ecuba di Euripide, per la regia di Carlo Cerciello.

Ad Euripide si deve la creazione di una serie di grandi figure femminili, problematiche ed inquietanti, in cui la sensibilità tormentata, a volte torbida, non può e non sa trovare nelle facoltà razionali, soluzioni equilibratrici.

La messa in scena curata da Carlo Cerciello vede Isa Danieli vestire i panni di una Ecuba moderna, di una donna che percorre un impervio cammino; prigioniera affranta che contempla disarmata le proprie sciagure, abile oratrice che mette alle corde il tracotante nemico, sovrana che si riappropria di una maschera di dignità.

Combatte la violenza, accecata dal desiderio di vendetta per la perdita dei figli e, dando continuità ad una guerra lunga ed interminabile, diventa una macchina di morte in grado di progettare e mettere in pratica una sanguinosa resa dei conti.

Il lavoro inizia con l’apparizione di un fantasma: Polidoro, figlio di Ecuba e di Priamo, assassinato per avidità di denaro da Polimestore, re di Tracia (interpretato da un eccezionale Franco Acampora), lamenta il destino che l’ha colpito e rivela che l’ombra di Achille ha chiesto ai Greci, in sacrificio, sua sorella Polissena.

Svanito il fantasma che aleggiava sulla tenda di Ecuba, la regina esce piena di angoscia: ha visto in sogno Polidoro e Polissena, e un lupo sbranare una cerva, strappandola alla sua protezione.

All’arrivo di Odisseo, che ha avuto l’incarico di prelevare Polissena, Ecuba, invano, fa appello alla gratitudine che l’eroe le deve per avergli salvato la vita a Troia, un giorno; egli obietta che fredde ragioni politiche impongono il sacrificio di Polissena che si dichiara pronta a morire, consola la madre e si congeda da lei con dolcezza.

L’araldo Taltibio porta a Ecuba l’ordine dei comandanti greci di provvedere alle esequie di Polissena e racconta, anche, con quanta nobiltà e coraggio la giovane abbia affrontato l’istante supremo.

Ecuba impartisce le disposizioni per i funerali e, subito dopo, riceve da un’ancella la notizia della morte del figlio Polidoro. Nel mentre Agamennone viene a sollecitare i preparativi funebri e si trova davanti un inatteso cadavere; Ecuba spiega cosa sia accaduto ed esige mano libera contro Polimestore, il quale, con il miraggio di un tesoro nascosto, accetta di entrare nella tenda di Ecuba con i figli al seguito e, assalito e immobilizzato, li vedrà morire prima di essere accecato.

Il re tracio predice il futuro orribile che attende Ecuba (verrà trasformata in cagna) e Agamennone (verrà ucciso dalla moglie); sdegnato dalle funeste profezie, Agamennone ordina di farlo tacere e lo destina ad esser gettato su un’isola deserta.

L’azione è traslata ai giorni nostri, dove la morte, riprodotta e ostentata in maniera ossessionante e ripetitiva, tradotta continuamente in immagine, pur nelle sue forme più cruente, ha finito per creare assuefazione, indifferenza al dolore.

E’ questa l’alchimia moderna: l’eliminazione del tragico dalla nostra vita. La televisione in questo è maestra e poiché costruisce un perfetto mezzo di persuasione-assuefazione, il potere la utilizza, quotidianamente, in tale direzione. L’immagine di un corpo morto, civile o soldato che sia, visto in tv fa l’effetto di uno di quei lacerti da bancone, di cui non ci chiediamo certo che vita ha avuto o quanto ha sofferto.

Quando, dunque, è stata proposta a Cerciello la regia di Ecuba, prima ancora di analizzare il testo in questione e le vicende dei personaggi in esso coinvolti, il regista ha cercato di capire come tradurre il senso del tragico in tragica assenza di tragedia e questo fastidioso gioco di parole, esplicita bene il suo senso di impotenza, di rabbia, dinanzi al perpetrarsi di una costante narcotizzazione delle coscienze, che, di fatto, allontana la consapevolezza della condizione umana e ne distrugge la dignità.

TEATRO ELISEO

dal 16 al 28 febbraio 2010

ISA DANIELI

ECUBA

di Euripide

con FRANCO ACAMPORA

e con FORTUNATO CERLINO, CIRO DAMIANO, NIKO MUCCI,

IMMA VILLA, RAFFAELE AUSIELLO, CATERINA PONTRANDOLFO,

AUTILIA RANIERI, DANIELA VITALE

scene ROBERTO CREA

costumi DANIELA CIANCIO

musiche PAOLO COLETTA

luci CESARE ACCETTA

adattamento e regia CARLO CERCIELLO